雕塑作为一种立体艺术，其流派差异体现在对人体与题材的处理上。古典传统强调比例与和谐，以古希腊雕塑为代表，追求理想化的人体与静谧的美感；中世纪哥特风格倾向于宗教表达，造型纵向伸展，具有象征性的姿态和面部表情。文艺复兴时期重新回到对解剖与透视的重视，通过精准的写实技法表现人物的力量与内在气质，巴洛克则在此基础上加入戏剧化的动作与光影对比，呈现出强烈的运动感与情绪张力。

从近现代到当代，雕塑语言发生了根本变化。现实主义注重社会题材与个体生活的真实再现，而罗丹等人的作品在处理质感与未完成的表面上开辟了新的可能，使雕塑更强调内在情感的流露。随后现代主义和抽象派开始弱化具象，布朗库西等人追求形体的提纯与本质，极简主义则通过简化形式和材料本身的质感来引发观者的思考。当代雕塑更加多元，汇集装置、影像、声响与互动元素，强调观众参与与语境关联。

材料与技法的差异同样影响流派特征。传统雕刻多用大理石、青铜，注重减法与细部刻画；现代出现了焊接、拼贴、铸造与新材料应用，乃至工业化材料与废弃物的再利用，带来形式与概念的自由转换。表面处理、尺度与空间关系在不同流派中承担着不同使命：有的追求反射与光影，有的借助粗糙质感增强质朴感，有的通过巨型尺度引导公共记忆。

理解不同流派的风格差异，需要结合历史语境、技法选择与审美取向来观察。欣赏雕塑不是单一评价其写实与否，而是体会艺术家如何通过形体、材质与空间来回应时代命题与个人思想，从而在形与意之间形成各自独特的艺术话语。